Cintas comerciales, de culto, mexicanas con anécdotas y reseñas de las mismas

“Olvídalo, Jake. Esto es Chinatown”, Barrio chino, 1974

El cine es capaz de marcar momentos imborrables en el espectador.

"Que la fuerza te acompañe", Star wars "Una nueva esperanza", 1977

Es capaz de hacernos ver las estrellas y llevarnos a una galaxia muy lejana

“¿Me estás hablando a mí?”, Taxi driver, 1976

Es capaz de emocionar, hacernos reflexionar y vibrar. .

sábado, 14 de julio de 2018

HOTEL TRANSILVANIA 3: MONSTRUOS DE VACACIONES


Hotel Transilvania 3
Dirige Genndy Tartakovsky
Voces Violeta Isfel, Ignacio López Tarso, Cristóbal Orellana, Mauricio Castillo, Pedro Sola, Galilea Montijo 



Drac se siente un poco agobiado, aunque el Hotel del que es dueño marcha viento en popa y su hija Mavis, así como su nieto y yerno le alegran la existencia, hay algo que echa de menos, esa sensación de amar y ser amado, de hacer “click” con alguien. En medio de este panorama, y con la idea de entablar mejores lazos familiares, Mavis organiza unas vacaciones familiares, en las que toda la familia, incluidos hombres y mujeres lobo, Frankenstein y su esposa, la pareja invisible, la momia, el gelatinoso Blendi, el abuelo Vlad, así como otros peculiares personajes.

Una vez embarcados y en altamar, las vacaciones y la convivencia toman un nuevo rumbo, incluso Drac no volverá a ser el mismo, en la tripulación conoce a Ericka, la capitana de la nave, una mujer que lo deja prendado pero esconde un peligroso secreto que podría destruir a todos los monstruos, en el apellido lleva la penitencia.


FOTO SONY PICTURES  

Al igual que sus predecesoras, la cinta se ondea con el mensaje de tolerancia e inclusión, a través de las metáforas recaídas en las figuras de monstruos, el filme muestra que no importando sexo, raza o creencia todos somos iguales y debes aceptarte tal y como eres. Asimismo, a través de la relación padre e hija, se subraya la importancia de convivir tiempo de calidad con tus seres queridos, se enaltece a la familia como núcleo y cimientos de la sociedad. 

FOTO SONY PICTURES 

La fórmula con la que se ayuda Tartakovsky, al igual que las dos entregas previas, consiste en gags sencillos que recaen en las habilidades o características de los monstruos presentados y de ahí partir para la presentación de un sentido del humor que hace feliz, sobre todo a los niños. También hay alguno que otro elemento escatológico, como las flatulencias y la celebración de las mismas. El colorido se hace sentir aún más con clásicos pop como Don´t worry be happy, o como diría el abuelo Vlad “temas nacos” que surten efecto como La macarena. Sin ser excelsa, y muy al estilo de cartoon network, la cinta ofrece un momento divertido y entretenido con un mensaje familiar

CONOCE LAS VOCES EN INGLÉS 







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sábado, 7 de julio de 2018

LAS POQUIANCHIS




LAS POQUIANCHIS



La opinión pública debe conocer la maldad y la pobredumbre de estas criminales...

El 12 de  enero de 1964 la opinión pública fue sacudida, con cierta dosis de morbo, pues la revista “Alarma” hizo públicos los crímenes de las hermanas  Delfina, María de Jesús y Eva González Valenzuela, mejor conocidas como “Las Poquianchis”, apodadas así por lo voluptuoso de sus caderas otros dicen que hacía referencia al dueño homosexual de una cantina apodado así. Homicidio calificado, plagio, secuestro, asociación delictuosa, lenocinio,violación sexual, lesiones, corrupción de menores, amenazas, violación a las leyes de inhumación y trata de blancas son  los crímenes realizados, de manera intelectual y en forma sádica, por este trío en el que uno de sus  dantescos prostíbulos, en San Francisco del Rincón, fue el detonante para dar a conocer las imágenes de once cuerpos exhumados, a los que se sumaron ochenta más, así como la liberación de dieciséis  mujeres famélicas y nauseabundas, quienes fueron sometidas a la prostitución.

Lagos de Moreno en  Jalisco y otro burdel  en León fueron las sedes de esta red de corrupción, en el que las autoridades estuvieron coludidas durante varios años, y donde las hermanas González Valenzuela prostituían  adolescentes y al pasar del tiempo, si ya no les servían, las mandaban torturar hasta la muerte. El caso inspiró escritos como el de Jorge Ibargüengoitia, quien labró la novela "Las Muertas. Con entrevista a una de las Poquianchis, María de Jesús, la periodista Elisa Robledo  escribió el libro "Por Dios que así fue", en el que se hallan documentos e imágenes de caso. Además también dio origen a una cinta con un guión de 214 páginas, escritas por Tomás Pérez Turrent y Xavier Robles, la cual sería dirigida por Felipe Cazals y llevaría por título “Las poquianchis”, en cuyo estreno los periódicos anunciaban en sus carteleras a la cinta con frases como “Secuestraron, extorsionaron, corrompieron, asesinaron. Su caso escandalizó al mundo y ahora son una leyenda negra”, así como “La página más negra de la nota roja”.



No se puede ser juez y parte...

Con fuertes tonalidades de denuncia social “Las poquianchis”, arrancó su filmación el 26 de julio de 1976 en los estudios Churubusco, teniendo también como locaciones sedes como Guanajuato, Xochimilco y Milpa Alta. El  reparto constó de figuras que con el paso de los años se han convertido en actrices de culto, así es como se cita a  Leonor Llausás (Delfa), Malena Doria (Chuy) y Ana Ofelia Murguía (Eva), como las madrotas y victimarias. En la otra cara de la moneda aparecen las explotadas, algunas de ellas cómplices por accidente, como se da a conocer a lo largo de la cinta y es donde localizamos a Diana Bracho (Adelina), Tina Romero (María Rosa), María Rojo (Lupe), Pilar Pellicer (Santa) y  Patricia Reyes Spíndola (Graciela). Incluso Diana Bracho se sintió emocionada cuando el cineasta Felipe Cazals la buscó para que interpretara a una de las pupilas de este clan, pero desconocía qué papel encarnaría.

“Fue genial que me llamara, vivía en Inglaterra, estaba en Oxford. En esa época no había internet, sólo era por teléfono trasatlántico, Felipe me habló y me dijo que me iba a enviar un guión, éste llegó, pero no me puso qué personaje quería que hiciera. Lo leí quedé maravillada, pero no sabía cuál personaje quería, no me identificaba, hasta que me dijo Adelina, yo pensé qué barbaridad, porque no doy el tipo físico, es una campesina, tenía que tener el tipo indígena, estoy contra el tipo (risa), ese fue el gran reto representar un contratipo, hacerlo creíble y convencer que era esa persona” dijo.

Pobres muchachas, va a ser difícil que olviden que fueron carne de placer y foco de infección social...

A lo largo de nueve semanas de rodaje, Cazals expuso el maltrato al que fueron sometidas estas mujeres que en primer instancia fueron engañadas, para luego encerrarlas, tenerlas sin comer y golpeadas para “convencerlas” de ejercer el oficio más antiguo del mundo. Una vez conseguido esto eran sometidas psicológicamente y vejadas físicamente, si algo no les parecía a sus “dueñas”. Con ciertos recursos de falso documental y de thriller, la cinta también expone las injusticias en el campo, visto a través del papá de Adelina y María Rosa, Jorge Martínez de Hoyos, quien a lo largo del filme busca reclamar las tierras que por años ha trabajado pero no se le han otorgado traicionando el dicho de Emiliano Zapata, aquel que refiere “La tierra es de quien la trabaja”. A través de  flashbacks, en tonos de blanco y negro, vamos conociendo la inmundicia en el que vive la clase campesina, y lo que en cierto modo obliga a estas personas a verse en situaciones infrahumanas, además de exponer la corrupción de las leyes, en todas sus manifestaciones.

La fusión entre las dos historias antes citadas no fue muy bien acogida por la crítica de aquellos años, así queda comprobado en El Sol de México, en un texto escrito por F. Sánchez del que se destaca lo siguiente “Es de lamentar, como acontece en esta película, que no siempre sea capaz de imprimirle la necesaria coherencia narrativa a sus filmes dentro de una estructura redonda. Es innegable que algunos episodios -y sobre todo algunas imágenes- sacuden al espectador por su carga dramática y  su poderío expresivo pero vista la película como una unidad, ésta se advierte sin pies ni cabeza”. Pos aquel tiempo el cine mexicano era bien consumido, así lo corrobora “El apando”, también de Cazals, el cual llevaba 91 semanas en cartelera, “El hombre de los hongos”, de Roberto Gavaldón iba en su tercer semana, mientras que se anunciaba  en breve “El elegido”, con Katy Jurado y Manuel Ojeda.

La fuerza que a la fecha sigue poseyendo “Las poquianchis”, es visto a través de Diana Bracho quien expone el peso sociológico del filme “Es la primera que habla de la prostitución en un contexto social, antes eran las prostitutas buenas, lo hacían para salvar a su familia, a sus hijos, era la prostituta buena que se vuelve así, o también estaban las ficheras, que era la explotación del sexo de la forma más corriente. En ésta las prostitutas eran explotadas igual que los campesinos o los obreros, pero se volvían explotadoras. Cuando entraban a la casa eran víctimas de las hermanas, cuando pasaban a ser las comadres torturaban a las demás chicas. Es muy interesante el análisis sociológico donde las víctimas se convierten en victimarias, ideológicamente es muy interesante”, enfatizó.

María Rojo, encargada de dar vida a Lupe, también hace un énfasis sobre la importancia de la cinta “Las prostitutas son así por hambre, y vemos cómo los campesinos vendían a las hijas porque no tenían para darles a comer. Es la verdadera cinta de prostitutas, uno de los mejores filmes del mundo con este tema es Las poquianchis”, subrayó.



¿Y a ti quién te tronó el maíz metiche?

Abortos, violaciones, hambruna eran los rituales de cada día, y a lo largo de décadas, en el que las tres lenonas principales mancillaban la existencia de sus trabajadoras. Si alguna de ellas llegaba a su límite y explotaba, se llegaba a enfermar o simplemente las llegaban a hartar por ser viejas, el resultado era caótico pues a un estilo de Charles Manson incitaban al resto de la manada a pegar y matar a las insurrectas, a quienes luego enterraban en los patios traseros, esto queda asentado en la escena en la que Adelina termina matando a palos a su propia hermana, María Rosa, luego de que Delfa le lavara la cabeza a la homicida. Diana Bracho fue la comisionada de ejecutar esta escena, la cual cataloga como la más devastadora en toda su carrera.


“Es de las escenas más difíciles que he filmado en mi vida, cuando me preguntan ¿oiga hacer un desnudo no es lo más difícil? respondo no, lo más difícil no es desnudar el cuerpo sino el alma y esas escenas son las que te obligan a ello,  ésta que es muy desgarradora . Como actriz te entregas al cien por ciento a la emoción del personaje, aunque sea ficción entras en la realidad del personaje. Fue la escena, yo creo, la más difícil que he hecho en mi vida. Felipe me gritaba, me azuzaba, estaba sentado cerca y decía más más fuerte, pégale más, tremendo. Yo aceleraba, casi no podía respirar, sufría mucho. Lo que estaba abajo era un bulto con algo. Tenía que sacar una rabia y una cosa terrible, yo soy una persona muy poca violencia, me aterra le huyo, en todos los aspectos, física y emocional, aquí era ambas, era un sentimiento al que difícilmente se acerca uno como ser humano, muchas cosas mezcladas” remarcó. Los motivos que llevan a Adelina a aniquilar a su hermana son expuestos por la hija del cineasta Julio Bracho “ Ella dice que la mata por compasión, porque le vio enferma, vomitando sangre, supuestamente la mató por compasión, eso dijo el personaje real. Es muy complejo, imagínate. Me enfermé ese día físicamente, llegué a mi casa perdona lo prosaico pero a vomitar, vomitar y vomitar, me afectó muchísimo. Emocionalmente es la que más me tocó, la que más me lastimó”subrayó.

María Rojo, en su papel de Lupe, también cuenta que una de las escenas a realizar fue cruenta y dolorosa. Ésta compete a la balacera en la que fallece el Tepo (Gonzalo Vega), y en la que en medio del caos se le escapan las prostitutas, recibiendo una tunda como pocas “Era muy doloroso cuando la golpean, incluso la original  Guadalupe  Moreno Quiroz tenía cicatrices reales, le fueron hechas cuando se le escapan las mujeres. Todos los personajes desgastan porque se trabajan a fondo para que sean creíbles y tener la mejor interpretación posible, todo con la ayuda de la dirección, el guión, porque el cine es un trabajo de equipo”, dijo.

Fueron pocas secuencias y pocos días de rodaje, sin embargo con el papel de Graciela, Patricia Reyes Spíndola, se dejó en claro el maltrato del que fueron objeto si alguna se alebrestaba con las madrotas, como se aprecia en una discusión, durante su festín de agua y frijoles. Con respecto a esta escena la actriz de “Mujeres insumisas”, también compartió algunos secretos del rodaje “Yo me moría muy pronto, me daban un planchazo, fueron pocas secuencias. Me descalabraron ahí, me salió sangre de a de veras, no corté ni nada, no sé por qué, me esperé hasta que terminara la escena.No sé si fue la caída, la plancha, de ahí todavía tengo una cicatriz”



Yo no tengo corazón de perra como ustedes


Para sacar adelante sus respectivos personajes, las actrices participantes se apoyaron en grabaciones originales de los juicios, las cuales fueron conseguidas por el equipo de producción.

“Adelina existía y estaba en la cárcel, Tomas Pérez Turrent, uno de los guionistas del filme, me consiguió una grabación donde decía por qué había matado a su hermana, en la cinta es un monólogo, y eso me iluminó . Escuchaba el tono de voz, lo escuchaba y escuchaba. Me llamaba la atención lo desdramatizado de su relato, nunca dramatizaba, era como si hubiera matado una gallina, me sirvió mucho para crear ese personaje, fue una experiencia muy dura la filmación por las condiciones, éramos muchas mujeres, nos echaban lodo y excremento de mentiritas, pero durante todo el día. Fue una experiencia difícil pero satisfactoria, es una gran película. Me encanta” refirió Diana Bracho.

“Nos dieron las grabaciones, a mí la de  Guadalupe Moreno Quiroz, me saqué un segundo Ariel. Primero que nada saqué el acento de Lagos de Moreno. Era muy obvio que tenía una forma de hablar , de hecho lo que dice en la pantalla lo dice en la grabación”, citó María Rojo.
Ana Ofelia Murguía es la encargada de dar vida a una de las Poquianchis, Eva, quien también se basó en las grabaciones y en la dirección de Cazals para sacar adelante este papel “Hablando con Felipe, me dieron una grabación que le hicieron a esa Poquianchi, todavía tengo el rollo, para que oyera el tonito. Ahí notaba que era trampozona, se ve cuando se quita la blusa. Ese pequeño tip me sirvió y también lo que puse de mi cosecha, tratando de saber historias, saber del asunto, imaginándote situaciones y la dirección de Felipe”, manifestó. Incluso el director le hizo una petición especial a Ana Ofelia, la cual finalmente no fue acatada “Cuando me llamó me dijo que tenía que engordar, no sé si diez o quince, le dije me vas a tener como vaca comiendo pastura. Entonces me lo dejó en tres o cinco, pero no hice nada, porque pienso que tampoco es tan importante, si necesitan una gorda gorda lo mejor era que llamaran a otra actriz”, reveló.

No se nos ha comprobado nada

El filme de Cazals comienza en la década de los 50 concluyendo a mediados de los 70, época en la que se filmó, sin embargo la cinta estrenada el 25 de noviembre de 1976 en los cines Roble, Futurama, Virgo, Palacio, México, Tlalnepantla, Dolores del Río y Atoyac, y por razones obvias, no expone lo qué pasó finalmente con este trío de delincuentes, en el que se puede citar que Delfa, La Poquianchis Mayor, falleció el 17 de octubre de 1968 ,a los 56 años, en la cárcel de Irapuato luego de ser golpeada con un cubetazo de cemento; María Luisa, alias “Eva La Piernuda”, pereció en su celda de Irapuato carcomida  por el cáncer hepático, en noviembre de 1984.  La única que murió en libertad fue  María de Jesús.

La cinta causó estragos por las escenas y crueldad mostrada, la cual se queda corta ante la realidad. A su vez Cazals expuso la voracidad de la prensa amarillista, la corrupción y otros detalles por los que  se anotó un éxito en su carrera, al mostrar una cinta punzante y escalofriante. Recordando un poco el cómo es Felipe Cazals en el set, Diana Bracho compartió algunas impresiones del realizador.

“Es un cineasta muy riguroso, sabe lo que quiere y lo sabe pedir. Es muy estricto y puede llegar a ser agresivo con los actores, ya se ha dulcificado. En esa época era duro, pero fíjate que yo he tenido suerte, no sé que les provocó a los directores, conmigo fue una seda. Hay una amistad que perdura, muy amorosa, muy bonita. Me da un poco de pena porque éramos muchísimas mujeres, conmigo tenía una deferencia notoria, me da pena, tráiganle la silla y ellas en una piedra picuda, me trataba como princesa y me daba pena con mis compañeras. Yo no le tengo más que respeto y cariño, me siento privilegiada de trabajar con él”, puntualizó.

Precisamente Felipe Cazals, director del filme, expone cómo sacó adelante este proyecto y la amistad que le costó con el co guionista de este trabajo. 


Si quieres saber más del caso original de "Las poquianchis" hay muchos trabajos audiovisuales en Internet

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viernes, 6 de julio de 2018

ANT-MAN AND THE WASP

Ant-Man and the wasp
Dirige Peyton Reed
Actúan Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Douglas, Michelle Pfeiffer, Michael Peña, Hannah John-Kamen

Aunque muchos dudaban de este súper héroe, sobre todo por pertenecer al equipo B de súper héroes en cómic, su recaudación a lo largo del mundo consiguió esta secuela y de igual modo podría hacer una tercera entrega, el humor, la acción y algunas pinceladas de drama son sus principales aliados.

Después de "Capitán América: Guerra Civil", Scott Lang carga en sus hombros con las consecuencias de sus decisiones, hecho que repercute en su labor como padre y súper héroe, además de ganarse antipatía con gente que era allegada a él, específicamente Hope van Dyne y el Dr. Hank Pym no están muy contentos con su proceder.

Las discrepancias pronto tendrán que tener una trágica, este tercio se ve envuelto en una nueva misión, hay una persona que están llamando desde el mundo subatómico, hay esperanza en Hope y Hank. Scott deberá usar de nuevo el traje de Ant man y luchar a lado de The wasp, pero hay secretos del pasado, intereses en el presenta y villanos a futuro que deben vencer.

Especial de la película con entrevistas a sus protagonistas 


Los efectos especiales son grandes aliados de esta cinta, sobre todo por jugar más con el agrandamiento de las cosas, a diferencia de la primera que daba más cobra al encogimiento; en esta segunda entrega hay un equilibrio entre ambas, el resultado es fortuito y más que entretenido. A este sentido del humor se una Luis, quien vuelve a hacer de las suyas en su manera de contar las cosas, se supera a sí mismo.

Entre los aspectos que destacan en el filme es el empoderamiento femenino, en primer lugar, la entrega número 8 de la fase 8 y la entrega 20 del universo Marvel, comparte el título con un personaje femenino, The wasp nació para patear traseros y Evangeline Lilly demuestra el por qué le fue otorgado el traje; en Segundo lugar Ghost, personaje que surgió como enemigo de Ironman y que originalmente era hombre, en esta cinta se le da un poco más de complejidad y se cambia de género, es una mujer quien la da vida y espectro a este personaje, aunque la resolución del mismo es algo simplista y finalmente y aunque aparece poco, la trama de esta segunda entrega recae en Michelle Pfeiffer, ella es el motor de todo lo que acontece.



A resumidas cuentas el filme calza grande en cuanto a entretenimiento refiere, no olviden quedarse a los créditos finales, hay dos escenas adicionales.
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domingo, 1 de julio de 2018

DOÑA HERLINDA Y SU HIJO




DOÑA HERLINDA Y SU HIJO

Sí, ya sé que lo haces sólo por darle el gusto a tu mamá.
En plenos albores del siglo XXI la frase “se le chorrea el helado”, atañe inminentemente a una persona homosexual, y aunque el tema ya no escandaliza como ocurría en tiempos de antaño, aún sigue habiendo ciertos estigmas. Adelantándose a su tiempo, 1985, Jaime Humberto Hermosillo retrató la gazmoñería, con tintes de comedia, de la clase media alta en Guadalajara con Doña Herlinda  y su hijo.
Partiendo de un relato homónimo, del veracruzano Jorge López Páez, la cinta retrata la relación de dos jóvenes homosexuales de clase media alta, Moncho (Arturo Meza) y Rodolfo (Marco Treviño), quienes en medio de besos y caricias evidentes, hecho que no había pasado en la cinematografía nacional, el dúo da rienda a las pasiones que dictan su naturaleza. Ante tal hecho se presenta la figura de la madre de Rodolfo, Doña Herlinda (Guadalupe del Toro), quien se hace de la vista gorda ante las preferencias de su hijo sirviendo como tapadera, pero también instigándolo a que continúe con la progenie, hecho que no cae muy en gracia de Moncho.
Si el texto anterior es transgresor, éste sube de tono al ubicar la trama en Guadalajara, donde se dan los hombres, como se reza un dicho y que a su vez es un lugar caracterizado por las buenas costumbres y el recato. Con respecto a la hipocresía y los tintes gay de la cinta, Marco Treviño, actor que diera vida a Rodolfo compartió algunos aspectos, que considera relevantes, de la cinta.
“Es algo que sucede mucho en nuestra sociedad, y en una tapatía aún más. Es mucho guardar las apariencias. Ella (Doña Herlinda)  sabe que no puede luchar contra eso, quiere tener al hijo cerca. En lugar de desafiar al hijo está a favor y le construye su bungalow para que tenga al novio ahí y le busca novia para que cumpla con las apariencias y cumpla con las reglas sociales de una sociedad mexicana”, remarcó.

A ver, enséñeme su corno francés
Los tintes de  homosexualidad, aunque a muchos les parezca que no,  puede apreciarse en algunas cintas como “A toda Máquina” o “Dos tipos de cuidado”. Años después Arturo Ripstein proyectó un beso homosexual en “El lugar sin límites”, hecho que le costó la muerte a la Manuela, ante el machismo e intolerancia que había en la atmósfera del filme, sin embrago Hermosillo fue más allá y además de ósculos presentó fuego, amor y ternura con sus personajes principales en “Doña Herlinda....”, hecho inusitado en la cinematografía nacional, rompiendo así ciertos estereotipos pero también provocó un poco de temor, a la hora del rodaje, en Marco Treviño “Pues mira sí fue difícil, pero para eso soy actor. No estudié actuación, no tengo la formación, si lo hubiera hecho como lo hacen ahora hubiera sido más fácil, yo tenía mi educación tapatía estaba encima de mí. Disfruté hacer la película. Si volviera a nacer la volvería a hacer y más fuerte. Se convirtió en una película de culto, es un fenómeno mexicano. Sigue siendo un ícono de la filmografía mexicana pésele a quien le pese. Esta película llegó adelantada a su tiempo, es una película sencilla muy sencilla y que llevó a México a todo el mundo.”, remarcó.
Si me voy, seguro lo pierdo; y si me quedo tal vez no. Aconséjame
A pesar del amor profesado por los protagonistas el machismo sale implícito, sobre todo en el papel del neurocirujano pediatra, Rodolfo, quien se ve obligado a fingir una bisexualidad. En primer lugar y a través de su  rol se aprecia la indumentaria del macho mexicano (jeans ajustados, botas, bigote, sombrero), así como los típicos y estúpidos celos, por los que Ramón no puede convivir con nadie que no sea él, como se aprecia en el domingo familiar en Ajijic, donde la mirada de Rodolfo es inquisidora. Es de este modo como éste médico, y con la excusa de darle gusto a su madre, sí se puede dar el permiso ser infiel con el pretexto de tratarse de una relación heterosexual.
Por su parte, Ramón (Arturo Meza) se muestra con cabello largo, con un físico más delineado, aludiendo al rol pasivo de la relación, así como aquel que debe  soportar las infidelidades de Rodolfo, a través de un matrimonio y un próximo bebé, el cual será un requisito esencial para que su amorío continúe, y hasta sea, en cierto modo bendecido, por Doña Herlinda.

Ana, Rosita, Lupita y ahora Olga; tu mamá no quita el dedo del renglón.
Doña Herlinda, representa el encubrimiento  y el resguardo de las buenas costumbres, pese a saber la verdad de su vástago, quien no sólo está al tanto sino que tiene al amante de su hijo viviendo prácticamente a su lado.
“¿En serio? Que cosa tan curiosa. Rodolfo de niño también era zurdo, nomás que lo enseñé muy bien a ocupar la mano derecha, e hice de él un maravilloso ambidiestro. Salud.”, refiere Doña Herlinda en el filme, al conocer a la familia de Olga. La encargada de dar vida a este papel es Guadalupe del Toro, mamá del realizador mexicano, Guillermo, mujer a la que su hijo en la cinta, Marco Treviño, le guarda gratos recuerdos “Es  una gran señora, gran mujer, los papás de Guillermo lo apoyaron desde chiquito, su papá le compró su primera cámara. Fue maravilloso trabajar con ambos, son grandes  personas”, dijo con respecto a esta dupla, puesto que  Guillermo trabajó en esta cinta como gerente de producción.
Qué miedo pensar que me puedo pasar toda una vida encerrada en la cocina …
Ante el inminente matrimonio de Rodolfo, la decisión de Ramón será el quedarse, tragarse el orgullo y su amor propio, por continuar con el hombre de sus sueños y no sólo eso, también convivirá con su rival, Olga (Leticia Lupercio). La próxima cónyuge, intuye las inclinaciones de su futuro esposo, sin embargo la relación se amolda a sus necesidades, es una mujer de familia conservadora y tradicional, pero al mismo tiempo posee inquietudes de ejercer su profesión, como lo dicta la mujer contemporánea. Incluso el personaje sólo aparece con falda en una escena, es las subsecuentes se muestra con pantalones, simbolizando el poder y auge que ha adquirido el llamado sexo débil al paso de los años.  
El desenlace del filme realmente enfadó a la sociedad, y mostró la posibilidad de que un niño sea educado por una personas gay, en el cual se puede apreciar al triángulo amoroso con un recién nacido, siendo aceptado y cobijado por la figura materna, una premisa similar se gestó años después con la cinta de Ang Lee “Banquete de bodas”.
“Qué hermoso hubiera sido vivir bajo aquel techo. Los dos unidos siempre, y amándonos los dos. Tú siempre enamorada; yo siempre satisfecho. Los dos una sola alma, los dos un sólo pecho. Y en medio de nosotros, mi madre, como un Dios”, versa el poema recitado por Rodolfo en la última escena del filme, el cual cierra con la imagen de Doña Herlinda.

Rodolfo ¡defínete!
En un contexto en el que se exhibían propuestas como “Ninja americano”, “La verdadera historia de Bruce Lee” o “Arma mortal”, cargadas de violencia y mucha virilidad, la cinta de Hermosillo también fue exhibida en aquellas fechas, luego de dos años de haber sido realizada, fue un 18 de junio de 1987 teniendo como marco nueve salas, bien ubicadas, como lo fueron Chapultepec, Insurgentes 70, Dolores del Río, Hermanos Alva, Gabriel Figueroa,Viaducto, Ermita, Fausto Vega y Las Alamedas, con localidades que oscilaban entre 500 y 300 pesos. Con respecto a su tropezado estreno, Marco Treviño recuerda aquellos días “En México no fue bien recibida por la industria, no tanto por el público. En Guadalajara cuando se estrenó en la primera muestra de cine mexicano que fundó Jaime Humberto. La gente apenas se sonrió, el ambiente era tenso, la vi en el DF en otra ocasión, la gente se rió ligeramente. Luego  en el festival de Miami y la gente se estaba cagado de risa, en el primer beso, una diferencia impresionante. En México no la dejaron los exhibidores y distribuidores, además era una cinta independiente . En el extranjero me llegaron cartas de Francia, Bélgica, Inglaterra, ahí estuvo seis meses en cartelera. En Nueva York estuvo tres meses. Fue muy curioso”, dijo.
Precisamente, y antes de su estreno comercial, la cinta tuvo una circulación en festivales de diversas latitudes como Amiens, Nueva York, Londres pero fue en Miami donde Marco Treviño se percató del alcance que la cinta podía llegar a tener, pues incluso conmovió al mismísimo escritor de “El beso de la mujer araña”, Manuel Puig.
“Terminando  la función de Miami, Manuel Puig sale y me dice tengo algo muy importante que hablar contigo, cuando tengas tiempo libre, pero había gente y me dijo que los atendiera. Al día siguiente en el hotel me dijo vamos a un lugar discreto. Me llevó a un rincón y con lágrimas me dice quiero agradecerte que me hayas hecho recordar, porque en pantallas eres idéntico al gran amor de mi vida. Sí fue una experiencia maravillosa que Manuel Puig me haya dicho eso. Me dijo yo sé que tú eres otra cosa y la película es otra . Le agradecí su sinceridad y respeto, porque además jamás nunca tuve acoso, ni molestia, todos me trataron con respeto, cosa que agradezco”, reveló.
“Doña Herlinda y su hijo”, la cual fue promocionada bajo la frase “Una madre muy cuerda y un hijo muy loca, en una comedia deliciosa y mordaz”, dio rienda suelta a Hermosillo para dar continuidad a películas con temática y escenas  abiertamente gays, aunque ya había tenido guiños o referencias en cintas previas como “El cumpleaños del perro” o “Matinée”.

AQUÍ UNA DE LAS ESCENAS

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